Las edades de Goya de la oscuridad y la locura
Este documento analizará el patio con locaciones de Francisco Goya (Corral de Locos que se remonta a 1794 y actualmente es propiedad del Meadows Museum of Art en Dallas, Texas.
El cuadro forma parte de las “Imágenes del gabinete” de Goya y muestra a un grupo de presos de asilo en una escena llena de oscuridad y agresividad sádica rodeada por pesados muros de piedra.
Diferentes interpretaciones contradictorias han sido presentadas por diferentes historiadores del arte: el asilo se refiere a la realidad de las prácticas psiquiátricas de la época, o sirve como metáfora de las interpretaciones estéticas específicas de Goya, el sistema político o incluso la condición existencial de la humanidad. Además, se sabe que Goya tenía un miedo terrible a las enfermedades mentales y luchó con su propia salud mientras trabajaba en esta pintura, que también se cree que es una de las principales inspiraciones para el trabajo, ya que él podría relacionarse personalmente con los pacientes descritos en la escena.
En este artículo presentaré el argumento de que Yard of Lunatics es, de hecho, una alegoría de la soledad y la alienación social, que tal vez sea la forma en que Goya se sintió al pintarla.
Además, al comparar esta pintura con otras obras que Goya creó en ese momento, se hace evidente que esta pintura es un ataque a la sociedad española, a la novedad y también al clero.
La obra es de 32,7 cm. x 43.8 cm. pintura al óleo sobre hojalata que ilustra una escena extremadamente caótica, donde un solo guardia intenta controlar a todo un grupo de pacientes de asilo, todos rodeados por imponentes paredes de piedra de mampostería con una sola entrada en arco; una escena que Goya decía tener Presentado personalmente en un asilo en Zaragoza.
El cielo visible sobre las paredes contrasta enormemente la oscuridad representada a continuación y sirve como la única fuente de luz para la pintura, reflejando las figuras en tonos verdes, amarillos y grises.
Dos figuras son visibles en el primer plano de la escena. A la derecha, una mujer sentada en el suelo con ambos brazos envueltos alrededor de sus piernas dobladas, mira fijamente al espectador con una sonrisa siniestra y un cabello negro y espeso enmarcando su rostro, y a la izquierda, otra está firmemente con los brazos cruzados como si ella llevaba una camisa de fuerza; con la boca y los ojos bien abiertos, parece estar gritando directamente a los espectadores.
La proximidad de estas figuras al borde frontal de la pintura da la sensación de que el espectador es, de hecho, parte de la escena, respaldando la afirmación de Goya de haber estado presente y brindándoles la misma oportunidad.
Además, según Janis Tomlinson, la proximidad entre los lunáticos y el espectador representa la relación y la cercanía de la normalidad y la locura.
En el centro, dos reclusos completamente desnudos se muestran en un candado de lucha mientras son golpeados por el guardia que está detrás de ellos, que al mismo tiempo mira hacia el cielo con una expresión angustiada.
De pie, en el arco, al fondo, se muestra a una mujer con los brazos levantados en posición de oración, abriendo el camino a dos hombres que se arrastran a ambos lados de su cuerpo. El resto de los internos son difíciles de reconocer a primera vista, ya que están profundamente sumergidos en la oscuridad de las gruesas paredes, pero luego de un análisis más profundo, cuatro figuras se hacen visibles contra la pared del lado derecho, la mayoría de ellas volteadas para mirar hacia atrás, con la excepción de una mujer que mira a los luchadores con asombro.
Además, otra mujer se ve arrastrándose por el suelo enfocando toda su atención en los luchadores y el guardia.
Esta figura de rastreo, junto con el posicionamiento semicircular del grupo, hacen de los luchadores el punto focal principal obvio para la pintura Dos años antes de la realización de Yard of Lunatics mientras vivía en Andalucía, Goya sufrió una terrible enfermedad que lo dejó completamente sordo. Durante su lucha de un año con la salud, creó pocas pinturas pero ninguna de sus obras principales, ya que no había espacio para ningún trabajo comisionado mientras se obsesionaba con su propia locura, que explicó en una carta a su amigo Bernardo de Yriarte en 1794. , que decía: “Molesto por mis enfermedades, y para compensar en parte los grandes desperdicios de tiempo que me han costado, me he dedicado a pintar un grupo de cuadros de gabinetes en los que he tenido éxito en hacer observaciones que normalmente no encuentran puesto en obras comisionadas”.
Goya era mejor conocido por sus representaciones de los locos, así como por su burla de la sociedad española en ese momento, particularmente de la novedad y el clero.
Esto se puede ver en su pintura The Strolling Players (Cómicos Ambulantes) (fig. 2), pintado en 1793 como uno de sus ‘Cabinet Pictures’ un año después de perder la audición y un año antes de pintar Yard with Lunatics. Esta pintura muestra a un grupo de cinco comediantes actuando en un escenario con la audiencia visible en el fondo.
Aunque parece una simple actuación, se cree que algunas de estas figuras se burlan de la realeza, como el triángulo amoroso entre Godoy, Maria Luisa y Carlos IV, por ejemplo. Además, el signo en el primer plano de la pintura que lee ALEC MEN relaciona esta pintura con la “Sátira Menippus”, un género revolucionario de la literatura que ridiculizó las jerarquías sociales e intelectuales, sin dejar dudas sobre los significados ocultos de esta pintura.
Unos años más tarde, Goya creó otra de sus obras más famosas, una serie de 80 grabados llamada Los Caprichos (1797-99).
Estas impresiones representan todo, desde seres sobrenaturales hasta personas y animales; todo significaba burlarse de un aspecto u otro de la sociedad.
Un gran ejemplo para mirar es Capricho No. 42, llamado Tú que no puedes.
Esta impresión ilustra dos burros gigantes montados sobre hombres de clase trabajadora que están agobiados por el peso excesivo de los animales sobre sus espaldas.
A la realeza y al clero no se les exigía pagar impuestos y el dinero de la gente del pueblo los apoyaba financieramente. Aquí, Goya enfatiza esa injusticia al presentar a personas poderosas como mulas alegres que contrastan las expresiones de sufrimiento y agotamiento de los hombres humildes que las llevan.
El Hombre Embrujado (La Lámpara del Diablo) que pintó en 1798, es otro ejemplo del malvado tema de Goya en este momento de su vida. Esta pintura está inspirada en una famosa obra llamada The Man Bewitched by Force, que cuenta la historia de un hombre que cree estar encantado y que su única forma de evitar a sus monstruos y mantenerse con vida es mantener una lámpara encendida.
La pintura representa una escena en la que Don Claudio (el protagonista) vierte aceite desesperadamente en el fuego agonizante de una lámpara sostenida por una aterradora figura de cabra.
En el fondo, una serie de monstruos retratados como burros esperan con impaciencia para cazar a sus presas. Este grupo de pinturas oscuras nos da una mejor idea de cómo era la mentalidad de Goya en ese momento pasó de los retratos más clásicos y comisionados a pinturas con significados más oscuros e inquietantes que, según Fred Licht, son ejemplos de “la pérdida de contacto entre el artista moderno y su vida pública” porque, según él, nadie querría decorar sus casas. Con tales pinturas.
Goya es conocido como el primer modernista y último viejo maestro gracias a su pincelada suelta, que es claramente visible en su obra Yard with Lunatics.
Hay muchos dibujos conocidos que creó como parte de sus estudios sobre la locura. En la década de 1800, se pensaba que cuanto más dolor sintieran los pacientes, mejor se pondrían; por lo tanto, no era inusual que los pacientes estuvieran encadenados a las paredes o el piso y encerrados en jaulas, que Goya ilustra en ciertos bocetos y en series como The Prisoners (Los Prisioneros), donde representa a hombres en agonía encadenados en la mayoría de los casos.
Posiciones incómodas para atacar la brutal forma en que las personas eran castigadas y encerradas.
A simple vista, Yard of Lunatics parece representar perfectamente el sistema psiquiátrico defectuoso en Europa, donde los asilos, en lugar de ser hospitales, eran lugares como mazmorras donde los enfermos mentales fueron abandonados en lugar de recibir ayuda.
Además, los vigilantes no eran médicos, sino parias sociales sádicos que no podían obtener ningún otro empleo, lo que hacía prácticamente imposible el progreso para los pacientes. Sin embargo, España fue, de hecho, uno de los países más humanos cuando llegó a las condiciones de sus asilos, y esto es especialmente cierto para el asilo en Zaragoza (fig. 8), que Goya describe en su casa de locos (Casa de Locos), 1812. -19, haciendo de una pregunta el verdadero significado de las obras de Goya.
Esta pintura ilustra un grupo aún más grande y caótico de lunáticos involucrados en comportamientos miserables, mientras que algunas de las figuras representadas en esta pintura son representaciones de miembros poderosos de la sociedad; El hombre tendido en el suelo en el extremo derecho de la pintura, por ejemplo: Aparece vestido solo con una gran pieza de tela blanca colocada sobre su cuerpo y es imposible ignorar el parecido entre el largo collar de plata y la corona que lleva puesto a los de un papa; Haciendo de este hombre una burla obvia del clero.
Detrás de este hombre, otro se sienta en el suelo con una bata blanca, lleva una corona y sostiene un cetro como solo un Rey. Además, un hombre en el centro parece estar desnudo de pie vistiendo solo el sombrero de un soldado, con su brazo derecho estirado hacia adelante y haciendo la forma de una pistola con su mano izquierda, como si estuviera preparándose para disparar algo, este hombre claramente está ridiculizando al ejército.
El tema de Madhouse and Yard with Lunatics se parece mucho al de A Placa de Progreso de Rake de William Hogarth (en el asilo) (1735) que es la última escena de una serie de grabados y pinturas grabados creados por Hogarth. La serie cuenta la historia de un heredero llamado Tom Rakewell, quien se jugó toda su fortuna y fue condenado a pasar el resto de su vida en el Hospital Bethlehem en Londres.
En este trabajo, se muestra a Rakewell en el primer plano tendido en el piso de una habitación llena de presos de asilo, algunos de los cuales, como en el manicomio de Goya, son un ataque obvio contra personas poderosas en la sociedad.
Los lunáticos en este trabajo son retratados como una diversión para un par de mujeres de clase alta que visitan el asilo, que de hecho era algo que las personas de clase alta harían por entretenimiento en ese momento.
Al observar las similitudes obvias que esta escena tiene con el Madhouse de Goya, resulta obvio que Goya estaba familiarizado con el trabajo de Hogarth e incluso puede darnos una idea de dónde podría haber obtenido su inspiración para utilizar las escenas de asilo como comentarios sociales.
Al tomar en cuenta la salud y las luchas mentales que enfrentaba Goya en ese momento, las condiciones más humanas de los asilos españoles en el siglo XIX y los significados alegóricos detrás de algunas de estas obras del mismo período de tiempo, es seguro argumentar que Los lunáticos tienen, en cierta medida, algún significado simbólico propio.
Porque aunque faltan las representaciones visuales y más evidentes del poder, como una corona o un cetro, esta pintura es una visión aterradora de la soledad y el aislamiento social, y no representa más que un tormento sensorial para los pacientes, similar a lo que Goya se sentía a sí mismo como parte de una sociedad extremadamente defectuosa.
Después de pasar por una enfermedad que se fue con la sensación de que no solo estaba perdiendo la audición, sino también su mente, la desesperación y el terror que más sentía Goya era extremadamente similar al que se muestra en las caras y el lenguaje corporal de los pacientes en el mundo pintura.
